Roberto Huezo

A veces es imposible separar al hombre del artista. Es el caso de Roberto Huezo. Su obra mantiene con su vida una relación simbiótica. En los tiempos de guerra de su país, El Salvador, Huezo fue un ardiente defensor de los derechos humanos y de la libertad y batalló junto a los jesuitas y a organismos internacionales a fin de que se dejara sentir la voz de los pobres, de los marginados y de los humillados por un sistema que les exprime y suelta el bagazo como se hace con cualquier objeto desechable. 

 Entre lo mas destacado del artista es el Vía Crucis del puebl salvadoreño
ubicado en la capilla de la Universidad Centroámericana José Simeon Cañas 

Estos dibujos del pintor Roberto Huezo fueron inspirados en el dolor y el sufrimiento del pueblo salvadoreño. Los años previos a la agudización militar del conflicto, se caracterizan por la aparición de cuerpos asesinados, torturados y masacrados en casi cualquier lugar de El Salvador. Setenta y cinco mil muertos son el saldo de esta violencia. Y la tragedia aún prosigue…
Los cuadros expresan el dolor que el pueblo ha cargado, como inmensa cruz, camino de su liberación. Catorce cuadros: Vía Crucis de todo El Salvador sufriente. Catorce cuadros en espera sostenida de un décimo quinto: el de la Resurrección de este pueblo, cuadro anhelado donde el rojo de la sangre se transforme en el bellísimo rojo que difunde el sol sobre las nubes al anunciar la aurora…
La presencia de estas crudas expresiones artísticas, violentas y desnudas, impresionan y, a veces, sorprenden a visitantes que critican su presencia en la capilla.
Sin embargo, éste es el modo exacto con que Jesús –encarnado en carne de pueblo salvadoreño- va hoy haciendo en esta tierra su Vía Crucis, el “Camino de la cruz”…

Antonio Bonilla (mural del bicentenario)

Su obra es rebelde e irreverente hacia todo tipo de autoridad socialmente establecida, ya sea  política, militar o religiosa. Diríase que es un agitador incitando a la subversión no sólo contra el poder socialmente establecido, al cual ataca sin piedad, sino también contra las concepciones morales y la escala de valores alienantes del sistema en el que estamos inmersos en esta sociedad descabellada y consumista., no en vano en mucha de su obra observamos seres y atmósferas con rasgos surrealistas e imágenes oníricas y perturbadoras; seres que son mutaciones entre hombres y monstruos. 

Hablaremos del mural del bicentenario el cual relaizo el pintor Salvadoreño ,el cual se encuentra ubicado en el Museo Nacional de Antropología MUNA.

“El mural honra la memoria de los mártires víctimas y héroes conocidos y anónimos de estas luchas.  Este mural marca un hito en la historia del arte en nuestro país, deja para posteridad un documento de nuestra historia colectiva inspirado en la técnica muralista fue elaborado con el propósito de crear más espacios culturales de reflexión sobre el proyecto emancipatorio en El Salvador. La obra de gran dimensión fue diseñada por Bonilla con base en un concepto figurativo, donde se pueden reconocer con facilidad los retratos de memorables participantes de la historia como lo son: los próceres, Monseñor Romero, los sacerdotes Jesuitas, Prudencia Ayala, entre otros.

  

El mural está distribuido como un altar de iglesia que le da forma a un políptico se denomina así aquella pintura que posee múltiples divisiones o secciones,  donde se muestra en varios recuadros algunos sucesos y hechos simbólicos como el nacimiento del jaguar, la mujer, la lucha del tigre y el venado, la conquista, violación y mestizaje, esclavitud y el levantamiento del 32.

Con 35 años, el maestro del “feísmo”, como ha sido apodado en el mundo de las artes, sostuvo que haber pintado el mural ha sido gratificante, pues muestra en gran magnitud su trabajo, a la vez que deja un legado importante para las nuevas generaciones.

Camilo Minero

Camilo Minero, trató de plasmar en sus obras la realidad social de los pueblos latinoamericanos, en especial de El Salvador y Centroamérica

Siempre su pintura ha sido de expresión social, aun en los temas indigenistas y arqueológicos; su pintura simboliza la inquietud permanente que debe poseer el hombre, de superarse, de salir algún día de la ignorancia; que luche por ser hombre en el verdadero sentido de la palabra.

Actualmente trabaja su pintura casi especialmente en los temas del niño. El mismo manifiesta “que el niño es lo que mas conmueve su corazón aquí en la tierra”.

Su pintura en amarillos y de composición geométrica visible que ha adoptado desde hace muchos años en todas sus obras, se debe, según sus palabras: “Desde que estuvo en México, becado por el Gobierno de de El Salvador, donde se su talento dio un gran giro al analizar los murales de Diego Rivera el maestro de los murales las diagonales,  inspirados en los artistas griegos, del Renacimiento, manieristas, neoclásicos y muchos más, trazaron líneas geométricas basadas en el equilibrio rítmico del hombre, es decir, en las medidas universales, con la variedad que la mayoría de ellos lo ocultaron como trazado, pero están subyacentes en el conjunto. Yo dejo esos trazados visibles, a veces en llenos y otras en vacíos como una sensación calidoscópica, en formas prismáticas o de luces quebradas, en busca de la cuarta dimensión.

Sobre el amarillo, crea una innovación de  tradicional expresión estética.
el pintor expresa los amarillos frenéticos, cálidos, los rojos vivos e irritantes que provoquen la furia y la cólera revelante; el blanco quiere decir paz; los anaranjados y los sienas son atenuantes, acordes de los amarillos.Veamos algunas obras de Camilo Minero:

 

Julia Díaz (artísta salvadoreña)

Un mundo de formas y colores diversos; paisajes naturales llenos de esplendor con frondosa vegetación; teatros pueblerinos del pulgarcito de América, iglesias coloniales, casas coloridas de barro. Escenarios engalanados de rostros masculinos como femeninos; colmados de angustia y satisfacción, que reflejan la niñez desamparada,la ardua faena del campesino y campesina, la vida radiante y la muerte oscura, esto hereda Julia Díaz a El Salvador.



“El legado, de ‘Julita’ tiene un valor histórico representativo del arte salvadoreño del siglo XX”.
 

 Precisamente la herencia cultural de Díaz se divide en cinco temáticas que recorren la historia de la pintura nacional, a lo largo de los últimos cien años: el paisaje, que deja ver el movimiento llamado Impresionismo, donde el artista sale a pintar al aire libre para poder reproducir con fidelidad los vibrantes colores de la naturaleza; el mundo cotidiano, que resalta la realidad habitual representada por el realismo francés, el mismo que se generalizó en la segunda mitad del siglo XIX; se capta el ambiente de la vida del campesino y del indígena, llegando a destacar la figura del salvadoreño; el retrato, en el que el ser humano ha deseado inmortalizarse, dejando plasmada su imagen, ya sea en pintura o escultura; la visión fantástica, que presenta el Surrealismo y que exhibe un mundo irracional, es decir, el escape o negación de la realidad, como sucede en las visiones de los sueños o la fantasía infantil. Por último, la interpretación de la realidad, que es cuando los pintores tienden a alejarse de un planteamiento objetivo y buscan nuevas formas de expresión, logrando visiones más analíticas y reflexivas de la realidad.Las obras de Julia Díaz se puede observar en el museo FORMA de El Salvador.

                                           "CARROUSEL"
                                                (1,983"

                                                 

                                                        
                                                       

               "EL GRITO"
                  (1,982)

                                            "GRUPO FAMILIAR"
                                                     (1,959)

                  "HERMANITOS"

Carlos Cañas (pintor salvadoreño)

Carlos Cañas llama a su pintura la Gran Síntesis, porque en ella se aúnan elementos que él posee: soledad, libertad, y pureza. Cañas se inicia en la Escuela Nacional de Artes Gráficas. Obtiene una beca y parte hacia España y mientras navegaba hacia el viejo continente. Ya entonces tenía sus ideas y una concepción social del arte, del muralismo en los pintores mexicanos,  regresa a El Salvador diez años después. Profundas experiencias han marcado su vida. Cañas pinta la soledad. La soledad aparece mucho en la pintura.

 

Entre lo mas destacado por el artista esta ubicada en el Teatro Nacional de San Salvador esta  Majestuosa vista vertical de la cúpula central La cual esta decorado con un mural, que mide aproximadamente doscientos treinta metros cuadrados y se encuentra en la cupula elipsoidal, y se ha desarrollado una secuencia felìz idìlica de la vida.La obra es llamada "El mestizaje cultural" Se diviide en cuatro paños que definen los cuatro puntos cardinales. La division se presenta por la colocación de cuatro florales y libres, dejando entre base y base, los cuatro espacios por paños que son las caras del oriente, poniente, norte y sur. Al mismo tiempo son los puntos y las lineas que determinan el cuadrado de las areas comprendidas en las cuatro esquinas de la cosmogonìa maya; sin llegar desde luego como es obvio a la específica tipificaciòn formista de su propia expresión grafica.

En la parte superior de la cabellera-agua, aparece un rostro y surgiendo de la interioridad de un guacal vegetal, símbolo del mestizaje aludido, quedando las dos figuras flotando en el pórtico mágico, lugar donde los espíritus del agua son portadores de lo transparente. También rodean a las figuras centrales, los espíritus del aire, del sueño, así como dos figuras cuyas cabelleras de cerradas hojas las transforman en mujeres-arbustos; ambas figuras colocadas sobre jícaras gigantes, prodigan flores y rostros-flores.

En su opuesto, que es el paño ubicado al poniente, se encuentra la segunda fuente que presenta el mestizaje cultural que somos. Es una fuente compuesta de recipientes de vegetales secos, utilitarios de los cuales emerge una figura de pelo negro rodeada por cuerpos vegetales, humanos, como relación  directa de lo mágico en la realidad objetiva. Su atmósfera total queda. Las figuras femeninas se encuentran adornadas de larga cabelleras negras, castañas y rubias; sus cabezas están coronadas de flores todas ellas tienen un movimiento manifestado por gestos teatralizados como condición plástica de la actividad teatral y su ilusión al contenido del edificio. Los tres personajes masculinos visten atavíos de distintas épocas del coloniaje, representando así el memorialismo de mi pintura. Ello es también la transformación de dos culturas en una sola.

Las tres parejas, hombre y mujer; tienen como significado la evolución en el tiempo desde la conquista a nuestro momento de los gemelos formadores en su encuentro con la visión del cambio del mundo. El color con el cual se ha tratado la parte superior del mural, es el azul profundo pleno de modulaciones tonales que sobrepasan el encierro de la linterna final y sus cuatro vitrales àurios, logrando con tal procedimiento sacar lo interior al mundo exterior y traer por el mismo conducto, el mundo exterior al  espacio interno y cerrado del teatro. Este mural muestra dentro de su estructura rítmica y ascendente, real y mágico, mi contribución a lo barroco americano de hoy, conjuntando totalmente mi pintura con lo arquitectónico, como echo fundamentalmente material.

Salvador Arrué Salazar "SALARRUE"

Escritor y periodista, pintor y escultor, músico y actor, Salarrué fue muchas cosas, pero fue sobre
todo un artista original e innovador durante mucho tiempo la figura de Salarrué ha estado encasillada a un sólo ámbito de la cultura. Pero el autor de “Cuentos de barro” y de “Cuentos de cipotes” no se consideraba a sí mismo un escritor.Su pasión creadora se centró siempre en la pintura, pero tampoco se llamaba a sí mismo un pintor. En sus propios escritos) se retrató a sí mismo llamándose un artista tan internacional que carecía de personalidad.

“Estos son los poetas”, explicó, “no los que hacen versos, sino los que aman intensamente la vida, que son los verdaderos. Entre ellos me cuento, gracias a Dios”.La ironía de esta declaración es que si hay en nuestra historia un artista reconocible por la fuerza de su personalidad, este es Salarrué.Pero no podemos equivocarnos: es esta concepción de sí mismo como un poeta, un poeta sin patria, capaz de canalizar su intenso amor por el mundo en las visionarias obras de su arte, lo que lo distingue. La ausencia de una “personalidad” definida le permitía la libertad absoluta para explorar sus intereses y seguir sus intuiciones sin preocuparse por escuelas, ni modas, ni clasificaciones.
 

A esta voluntad de no conformarse con el aprendizaje académico, que tan bien asimiló sin embargo, y a esta originalidad de propósito, la historiadora de arte Astrid Bahamond le atribuye sus mayores innovaciones: el valor visionario de su mundo pictórico, que encaja sin discusión en las corrientes vanguardistas de su época, sobre todo por sus obras más abstractas.Sin proponérselo, Salarrué enriqueció a todos los salvadoreños con su aporte de indiscutible originalidad y autenticidad.Observemos un poco de sus obras artísticas las cuales se encuentran en el museo de la palabra y la imagen MUPI.

          "LA CRUZ"

        

        "MANGLARES"

Los primeros pasos de el arte en El Salvador

Las primeras manifestaciones plásticas en El Salvador provienen de nuestros antepasados indígenas, ya sea plasmado en cuevas y piedras (Petrograbados) o en la cerámica. Es una figuración zoomorfa que tiende posteriormente a una abstracción. Los pipiles fueron influidos por el mestizaje Tolteca, Maya, Teotihuacan y Olmeca.

La cerámica de Usulután, que fue la primera cerámica de El Salvador (aproximadamente en el 1800 antes de nuestra era), influenciada por los grupos de Suramérica que se asentaron en la costa mesoamericana. Desde ese momento la cerámica Usulután es pintada de forma monocroma. Durante el Período Preclásico la cerámica Usulután empieza hacer pintada de forma bicroma. Otra Manifestación importante de la pintura precolombina en El Salvador la encontramos en la Cerámica Copador, hecha por la unión de los estilos cerámicos de Copan y El Salvador (negativo Usulután). Tuvo su centro de dispersión en Chalchuapa en su fase Payu (600 - 900 de Nuestra Era).

En el S XIX en El Salvador se habla de Silvestre Antonio García (¿), quien fuera escultor, pintor y dorador, pero no se  conserva obra de él. Una Escuela de Dibujo existió en El Salvador el año de 1811, pero poco sabemos sobre ella, a no ser que estaba dirigida por el español Miguel de Rivera y Maestre (¿).  En 1864, el presidente Francisco Dueñas (1810-1884) decretó la fundación de una Academia de Bellas Artes bajo la dirección de Manuel Letona (¿), acompañado por Emilie Dorá (¿) y Auguste Feussier (¿) que imparte una enseñanza de corte Neoclásico, a la boga en ese momento histórico. Dicha Academia fue clausurada en 1873 por causa de un terremoto. No se conocen nombre ni obra de alumnos. La Academia de Spiro Rossolimo (¿) fundada en 1916 debe tomarse en cuenta. Spiro Rossolimo había residido antes en Guatemala donde fundara la Academia de Bellas Artes de Guatemala,  junto a Frida Rossolimo (¿), dicha Academia contó con el apoyo de Manuel Estrada Cabrera (1857-1924). La empresa Luissi y Ferracutti  se destacó en la escultura.

Otros artistas también se dedicaron a la enseñanza, entre ellos Pascasio González (1848-1917) y Marcelino Carballo (1874-1949). Así mismo debe destacarse a Juan Francisco Wenceslao Cisneros (1823-1878) quien cursó estudios en Francia, fue director de la Academia de bellas Artes de San Alejandro, la Habana, Cuba, país donde falleció.  

En el Siglo XX, la fundación de la Escuela de Artes Gráficas en 1913, bajo la dirección de Carlos Alberto Imery (1879-1949) marcan los inicios de la enseñanza académica en escuelas de arte en nuestro país. En 1937 abrió sus puertas la Academia de Dibujo y Pintura Valero Lecha (1937-69), dirigida  por el artista español del mismo nombre.

LA DANZA EN EL SALVADOR

Nuestra historia a través de la danza
Un reto es lo que representa "Nuestra historia", la más reciente producción del ballet folclórico del El Salvador, en la que se dará vida a momentos culturales más importantes en nuestra historia nacional.
Las representaciones de la religión tendrán mayor énfasis en la etapa colonial, en donde también se presentara, la esclavitud indígena, la encomienda, los tributos a los españoles y el mestizaje.
Isabel Hernández una de las coreógrafas, de “Nuestra Historia” agrego que en la época republicana mostrara al publico la historia de Anastasio Aquino el levantamiento indígena de 1932.
La danza es utilizada como una herramienta para preservar esta historia, para servir como una razón para la expresión misma. Y para presentar los valores fundamentales para los cuales esta siendo construida una sociedad nueva y combatiente, su compromiso es con el país, con su gente y con su única historia, con su insistencia en excelencia.
La etapa democrática es más fácil de montar, ya que es la época de nuestro folklor, sostuvo Hernández quien adelanto que en esta se incluyen homenajes a grandes celebridades del ámbito cultural de El Salvador, entre los que se encuentran la bailarina Morena Celarie, los escritores Roque Dalton y Salarrue.
El teatro de danza contemporáneo del El Salvador (TDC) fue creado en San Salvador en 1994 por su fundadora Miya Hisaka y su director asociado Francisco Castillo. La compañía se distingue por ser una compañía con repertorio profesional incluyendo danza contemporánea, clásica y jazz, y por eso nuestros objetivos van más allá de sus representaciones.

 

La Escuela Nacional de Danza Morena Celarié fue fundada en 1951 como la primera escuela de Ballet Clásico en El Salvador, y como parte integrante de la Dirección de Bellas Artes, dependencia del Ministerio de Educación En 1970, la institución fue integrada al Departamento de Artes Escénicas del Centro Nacional de Artes (Cenar), el cual dependía de la Dirección de Artes, Subsecretaría de Cultura, Juventud y Deportes del Ministerio de Educación.

El nombre de Morena Celarié se dio por decreto legislativo el 6 de junio de 1987, con el afán de premiar así la carrera de esta artista que fundó el primer grupo profesional de danza folclórica en el Instituto Salvadoreño de Turismo (ISTU). .En 1972, se introdujo a la Escuela la sección de Danza Moderna, con los maestros y coreógrafos estadounidenses Jack y Janet Nightingale.

Posteriormente esta sección estuvo bajo la coordinación de Judy Cramer, profesora y coreógrafa estadounidense, quien fue sucedida por los maestros salvadoreños Marta Cañas y Mauricio González y el uruguayo Hugo Bordón. En 1991, esta especialidad cambió su nombre al de Danza Contemporánea.Desde entonces, la escuela ha llevado a cabo una importante labor formativa, incidiendo en el desarrollo técnico y artístico de muchos de los bailarines contemporáneos y clásicos que el país ha visto desarrollarse

La personalidad creativa

Existen en muchos casos una serie de estudios en los que se compara a individuos creativos, seleccionados con base en sus logros y entre los que hay arquitectos, científicos y escritores. La diferencia entre los altamente creativos y los relativamente no creativos no reside en la inteligencia tal como ésta se mide en las pruebas de inteligencia. El individuo creativo puede, no obstante, diferenciarse de los demás en cuanto a los rasgos de su personalidad. Hay desde luego, muchas excepciones, pero en general se ha comprobado que el individuo creativo tiende a ser introvertido, necesita largos periodos de soledad y parece tener poco tiempo para lo que él llama trivialidades de la vida cotidiana y de las relaciones sociales. Los individuos creativos tienden a ser enormemente intuitivos y a estar más interesados por el significado abstracto del mundo exterior que por su percepción sensitiva

En ciertos casos se tiende a no ser muy creativo, falto de ideas son muchos los casos a lo largo de mi vida he encontrado algunos métodos para mejorar la creatividad, sin embargo no me han dado resultado existen muchas técnicas que se encuentran en Internet y ahí están por ti para que la pongas en practicas, en mi caso puse en practica algunas métodos para ser mas creativo dichos métodos fueron dado en clase fueron 10 de esos tome 4 algunos ya están en mi como persona empecé con pintar la pared principal de mi cuarto de color azul pues refleja responsabilidad, serenidad, armonía, sinceridad, entre otras. Luego me llene de una dosis de humor viendo videos en Internet divertidos, en verdad ayuda te abre más la mente y despierta tu imaginación, las ideas son muchas; lo tercero que hice pensar como un niño pues tiendo a ser muy ordenado en todas mis áreas pero en ciertos momentos me encuentro con cosas que quiero ordenar pero no hay ideas empiezo recordar mi niñez y me doy cuenta que logro con el objetivo que busco y lo ultimo fue la imaginación de resolver problemas estando en otros lugares tal es el caso en mi trabajo imagino como hacer las tareas de la universidad y trato de resolverlas en mente y funciona muy bien.  

Arte de Guatemala

El arte de Guatemala abarca manifestaciones universales. En ellas encontramos una fuerte tradición y herencia cultural asentada en la cultura prehispánica, pasando por la presencia de la colonia hasta la modernidad, con el aporte de artistas extranjeros que contribuyeron al desarrollo cultural del país como lo fue Desiderio Scotti, Justo de Gandarias y Santiago González, entre otros.

Josefina de Rodríguez  en su trabajo  “Pintura guatemalteca del S XX: Esbozo histórico”, nos dice “desde fines del siglo XVIII la recién fundada Sociedad Económica de Amigos del País se había ocupado de la creación de una Escuela de Dibujo, Grabado y Pintura, que en su primera época formó a los artistas que iban a ser los más relevantes exponentes de la pintura del siglo XIX; entre ellos, Francisco Cabrera

Se infiere por éstos y otros documentos que la Escuela en tiempos del Gral. José María Reyna Barrios se mantuvo desde 1892 hasta 1897, con dos direcciones: la primera hasta 1895, y, la segunda a cargo del escultor español Justo de Gandarias desde 1895, en que fuera contratado en Madrid por el Ministro de Guatemala en España, año en que viene a Guatemala, hasta mediados de 1897, cuando se cierra la Escuela.”

 Y añade “el acuerdo de 17 de mayo de 1892, que manda erogar la cantidad de tres mil sesenta y dos pesos, para invertirse en los gastos de instalación de la Escuela de Bellas Artes y de Comercio (creada esta última dos días después de la primera)… el acuerdo con el cual se aprueba la solicitud del grabador D. Próspero Calderón, relativa a la fundación en la Escuela Nacional de Bellas Artes de una sección de fotograbado -nombrándole para el cargo de Profesor de dicha sección” 

A inicio del S XX la presencia de Jaime Sabaters, ex secretario de Pablo Picasso marca una influencia en los artistas del momento: Carlos Valenti Carlos Mérida Humberto Garavito Eduardo de la Riva, Rafael Rodríguez Padilla Agustín Iriarte y Hernán Martínez Sobral.

La creación de la Academia de Bellas Artes en 1920, por el artista Rafael Rodríguez Padilla (1890-1929) permitió conformar una importante generación de artistas: Roberto González Goyri (1924-2007), Antonia Matos (1909-1994), Hilary Arathoon (1909-1981), Enrique León Cabrera (1915-1996) y Humberto Garavito (1897-1970).

Aunque los restos que han llegado hasta nosotros son muy escasos, la pintura mural del periodo clásico maya alcanzó una gran perfección técnica y una gran calidad artística, logrando un difícil equilibrio entre el naturalismo de los diseños y la gravedad impuesta por el convencionalismo de los temas.
 

 Aunque utilizan tintas planas carentes de perspectiva los muralistas mayas supieron crear la ilusión del espacio. Primero trazaban el dibujo en rojo diluido sobre una capa de estuco, después se pintaba el fondo quedando las figuras en blanco y posteriormente se iban rellenando los diferentes espacios con sus respectivos colores. Para sugerir la perspectiva y el volumen recurrían al fileteado de las figuras, la yuxtaposición de colores y la distribución de los motivos en diversos registros de bandas horizontales.